NUMAcircuit 017
‘Pliegues ‘Pliegues digitales. digitales. La La conexión conexión de de los los extremos’ extremos’
Residencia en
Memoria de la residencia artística NUMAcircuit realizada en Auditorio de Tenerife en abril de 2017 Participantes: Hara Alonso y Blanca Regina // Simone Marin y Nico Hernández Producción: Auditorio de Tenerife y Asociación Propulsada
Vídeos: Pablo Dorta Fotografías: David Perreko, Nana García Web: Simone Marin www.numacircuit.es
MARCO CONCEPTUAL, contexto Tenerife 2017. PROPUESTA TEÓRICA. RESIDENTES 1: Simone Marin y Nico Hernández Diario de actividad Valoraciones RESIDENTES 2: Hara Alonso y Blanca Regina Diario de actividad Valoraciones ARTISTA INVITADO: Stian Westerhus VALORACIONES primeras. Folleto promocional. Disco archivos gráficos adjuntos.
Índice
MARCO CONCEPTUAL Contexto Tenerife 2017
Durante la última década se ha percibido un creciente interés por actualizar determinadas formas de expresión que en nuestro entorno habían permanecido casi inalterables durante mucho tiempo. Si bien el desarrollo de las artes plásticas y visuales se vinculaba, en mayor o menor medida, a los movimientos de vanguardia, no ocurría así en la evolución de las artes escénicas en general y de la música en particular, que parecía impermeable a las derivas técnicas y conceptuales que durante la segunda mitad del siglo pasado sacudieron los cimientos de la tradición. Podría decirse que en este proceso de renovación de la escena ha confluido la acción de diversos agentes: Por una parte está la firme
y comprometida intención de ciertos artistas de expresarse con nuevos lenguajes, así como la propensión a colaborar activamente entre ellos y aglutinarse en colectivos. Así surgieron plataformas artísticas y sociales de carácter independiente en forma de festivales, asociaciones culturales, locales donde se programaban conciertos y performances, y se generó un circuito. Esto dio lugar a un público afín a este movimiento, que desde el principio se mostró altamente participativo, que con el tiempo ha ido creciendo en número, y cuya curiosidad espontánea inicial se ha ido transformando en criterio y exigencia.
En este punto es justo mencionar la intervención de las administraciones públicas, cuyo soporte logístico y económico ha sido fundamental para generar y mantener determinados parámetros que de otro modo hubieran sido difícilmente alcanzables. NUMAcircuit forma parte de este proceso. Mantiene estrechas relaciones con todas las partes anteriormente mencionadas y ha vivido la evolución de este movimiento artístico local, desde su efervescencia fundacional hasta la especialización y la exigencia que hoy lo dominan. Así, los espectáculos, talleres y actividades de producción propia que NUMAcircuit confecciona para TEA y Equipo Para, y fundamentalmente la residencia en Auditorio están hechos a la medida de asuntos que están siendo investigados de manera rigurosa por determinado colectivo en ese momento, y tienen el objetivo de ahondar en la forma y el concepto de lo que la
organización de NUMAcircuit entiende como material de interés. Desarrollaremos este aspecto más adelante. Actualmente NUMAcircuit sigue incluyendo un gran número de producciones propias en su programación, que generalmente son interdisciplinares, tanto en lo técnico como en lo artístico, que a su vez son términos cuyas fronteras en ocasiones de diluyen. Ahora podría decirse que la mayor parte de las perfomances que se generan en nuestro entorno se nutren de las múltiples posibilidades que aportan los medios tecnológicos, cuya aplicación estratégica genera nuevos esquemas de composición y amplía las posibilidades de expresión. El objetivo de esta cercana relación es siempre la innovación, y los resultados suelen hacerse palpables en la presentación de los espectáculos.
Aquí es necesario aludir al comprometido esfuerzo de los desarrolladores técnicos, quienes se aglutinan en colectivos independientes, como Kreitec o Supportvisualist entre otros, para poder acceder a determinados materiales, mantener espacios de trabajo y, en definitiva, conformar una plataforma técnica actualizada, solvente y capaz de asumir los continuos avances tecnológicos para afrontar los desafíos artísticos de forma efectiva. De esta forma, la residencia de Auditorio está diseñada para proporcionar soporte técnico y logístico a los artistas seleccionados para desarrollarla. La elección de los mismos se hace en función del compromiso con la investigación en cuestión, del rigor y la originalidad con que la abordan y de otros aspectos que más adelante mencionaremos más detenidamente.
PROPUESTA TEÓRICA
Pliegues digitales. La conexión de los extremos. Las sucesivas residencias de NUMAcircuit y Auditorio han sido planteadas como investigaciones interdisciplinares orientadas a estudiar un aspecto en concreto: el problema de los limites y las fronteras físicas y conceptuales que determinan el ámbito de acción de los distintos factores que intervienen en una performance. La tercera residencia artística consistió en una investigación acerca del espacio digital, entendido como el ámbito sensorial que resulta de una proyección audiovisual generada por aparatos, cuya articulación está determinada, en mayor o menor medida, por protocolos informáticos o procesos de síntesis digital; de sus múltiples configuraciones, del tratamiento específico que requiere y de las
herramientas necesarias para construirlo. La elección del entorno digital como temática de la residencia estuvo determinada por varios factores: Por una parte, el uso extensivo de las herramientas tecnológicas en nuestra cotidianeidad, la asimilación y normalización de las mismas por la población y la trascendencia de sus aplicaciones, en este caso, nos centramos en las posibilidades artísticas. Y por otra parte, la especializada y exhaustiva preparación de un grupo de técnicos y artistas, sus habilidades técnicas y sus capacidades críticas, así como el compromiso que de antemano adquieren para ensayar un mínimo de horas determinado, generar un espectáculo final y realizar una memoria que recoja, de manera detallada la intención artística
con que afrontaron el trabajo, el método y las herramientas con que lo desarrollaron, los cambios introducidos y las posibles incidencias que tuviesen durante el proceso, así como una valoración de la actividad. NUMAcircuit da mucha importancia a esta memoria de trabajo, que siempre es cuidadosamente analizada por la organización para intentar mejorar en lo posible la siguiente residencia, y que a su vez constituye el eje central del prototipo que cada edición se confecciona, el cual además incluye una introducción explicativa del asunto a tratar, una reflexión acerca de la actividad desarrollada a modo de conclusión y un reportaje de vídeo que recoge, de forma esquemática la evolución de la idea durante los ensayos de cada ensamble, las explicaciones que ofrecen al público durante la jornada de puertas abiertas, el espectáculo íntegro que cada uno generó y la actuación del artista invitado, que en esta ocasión fue el músico noruego Stian Westerhus.
Pensamos que, después de un periodo en que los medios tecnológicos han dominado masivamente la concepción y presentación de trabajos escénicos de vanguardia, y tras haber asumido el uso y abuso de los mismos, estamos en un momento de reflexión y depuración de las formas. Esto hace que NUMAcircuit haya visto la tesitura adecuada y el momento oportuno para plantear una investigación centrada en este asunto, y ofrecer las posibilidades técnicas y logísticas que la residencia en Auditorio nos facilita para que los cuatro artistas seleccionados, organizados en dos dúos, puedan desarrollarla de forma efectiva. ‘Pliegues digitales. La conexión de los extremos’, fue el título elegido para una investigación que propuso un espacio artístico concreto como objeto creativo y de reflexión. El título pretende incidir en las peculiares e inéditas posibilidades espaciales que ofrece el entorno digital, en el que las fronteras pueden dejar de ser límites para convertirse, aplicando defor-
maciones o pliegues, en nuevas posibilidades de conexión. Así es posible generar un tejido continuo que sostenga la comunicación de los elementos, permitiendo que sus relaciones se establezcan sin interferencias, pudiendo aumentar así la frecuencia y precisión de las mismas, y configurar un ámbito compacto, sólido y coherente. De esta manera, se planteó a una visión topológica del espacio, cuya consistencia dependía más de la intensidad y la frecuencia con que se relacionan los elementos que lo componen que con su forma o su ubicación geográfica. Como en anteriores ediciones, la residencia de NUMAcircuit 017 fue doble, es decir, hubieron dos dúos desarrollando proyectos independientes. De esta forma se busca que sus trabajos muestren distintas aproximaciones al objeto de estudio. Diferentes intenciones, métodos y desarrollos que se hacen evidentes
en los ensayos y en la presentación del trabajo de cada dúo. Uno de ellos estuvo integrado por Simone Marin y Nicolás Hernández, y el otro lo formaron Hara Alonso y Blanca Regina. Cada proyecto trató de generar un espacio acústico y visual identificable y acotado, dentro del cual se programaron y ejecutaron distintas técnicas de intercambio de datos, hasta conseguir tal estadio de interactividad en los procesos que permitiese crear un tejido digital continuo y dinámico. También se introdujeron protocolos de aleatoriedad y técnicas generativas, que dieron lugar a complejas y caóticas marañas de luz, color y sonido, y que, de alguna manera, favorecieron el diálogo entre los artistas y la improvisación, y con esto, la transformación de impulsos orgánicos en recursos digitales, donde el artista es a su vez técnico y performer.
La residencia se configura en tres apartados. 1. Estudio y ensayos. Los tres primeros días se dedican a ensayos de cada dúo por separado, para lo cual se estableció una distribución de horarios. Es una etapa de trabajo introspectivo, para reflexionar y tomar decisiones argumentadas acerca del proceso creativo, así como para desarrollar y practicar la recreación del mismo. 2. Puesta en común. Tras la conclusión de la fase de los ensayos, y antes de que los artistas comenzasen a encarar sus actuaciones, hubo una puesta en común con un formato de coloquio abierto al público dinamizado por un moderador. Ambas formaciones compartieron las intenciones de sus propuestas y hablaron de su experiencia creativa entre ellos y con el público que asistió a esta actividad, que también se efectuó en el mismo espacio de trabajo de la Sala Puerto. 3. Ensayo general y actuaciones. La mañana y la tarde de la última jornada estuvieron dedicadas a depurar los detalles de la actuación, para lo cual, cada formación hizo los ensayos con los técnicos de sonido e iluminación de la sala.
Residentes 1: Simone Marin y Nicolás Hernández Este dúo surge tras una colaboración puntual de ambos artistas en 2015. Simone es artista y técnico visual, muy activo en la escena local y regional de vanguardia, y Nicolás Hernández, un músico de Lanzarote reconocido por su particular lenguaje electrónico lleno de matices minimalistas y progresivos.
‘El paisaje háptico’
Ambos presentaron ‘El paisaje háptico’, y centraron sus esfuerzos en crear diversos tipos de conexiones directas entre el sonido y el tratamiento de la imágen, para lo que aplicaron sofisticadas programaciones generativas en la relación de los distintos dispositivos, que se comunicaron por medio del protocolo OSC. Simone y Nicolás, a partir de la imagen proyectada y el sonido musical generaron un espacio casi táctil. Las imágenes nacían de un microscopio electrónico instalado en el brazo de una impresora 3D, que se aproximaba de forma progresiva a distintas piedras y objetos de diversas procedencias, dando lugar a una articulación rítmica de la imagen. Usando la textura de dichas piedras, proyectaban la superficie de las mismas en una enorme pantalla, ofreciendo secuencias de minúsculos detalles y ofreciéndolos a modo de sofisticados paisajes que envolvían el espacio.
RELATO 1 Después de haber trabajado juntos de forma puntual en un proyecto escénico orientado a la recreación de determinados paisajes de las islas, encontramos que, tras la representación habitual de dichos paisajes, que busca hacerlos comprensibles e identificables, existe otra dimensión mucho más íntima, emotiva y profunda. Para descubrirla basta con reducir progresivamente la distancia entre nosotros y la superficie a representar. Pensamos que cuando algún asunto nos interesa es inevitable que nos acerquemos a él. Para comprenderlo es necesario rodearlo, verlo desde arriba, desde abajo y por último, aproximarnos todo lo posible. Este proceso deriva en un punto en que la retina parece necesitar de un apéndice táctil para seguir descubriendo el entorno. Hemos llegado al espacio háptico. Nuestro trabajo en la residencia tuvo por objetivo atravesar este imponente primer plano, y ser capaces de construir un espacio de dimensiones coherentes y determinadas a partir de una potente ampliación de las dimensiones reales de distintos
objetos. Así, adaptamos profundamente nuestro set y nos rodeamos de los medios y herramientas adecuados para aproximarnos al paisaje. Para el aspecto visual, usamos un microscopio electrónico que instalamos en una impresora 3D, la cual asociamos a un proyector mediante distintos procesos infográficos. En lo sonoro utilizamos grabaciones de campo procesadas y preparadas para ser disparadas de forma musical. Cabe destacar que las señales acústicas estaban coordinadas con las visuales, lo que daba sensación de cohesión y veracidad. Con esto fuimos capaces de construir y manejar un espacio abstracto, ya que si bien se generó a partir elementos pertenecientes al mundo sensible, no nos referimos a ellos para representarlos, si no para recrearlos. Así, alteramos su escalas y sus proporciones hasta conseguir desarraigarlos de su significado original. Entonces los preparamos para mostrarlos de forma narrativa y escénica con una identidad nueva, construida a base de ofrecer otras dimensiones de sus características más
intimas, convertidas ahora en elementos básicos y definitorios en la construcción del paisaje háptico. Utilizamos objetos cotidianos como llaves o billetes de 20 euros expuestos a millones de ampliaciones y procesados por software open source, VVVV. Para sincronizar el sonido del motor de la impresora 3D al software utilizado para la edición de audio, de una parte se trataba de modificar el buffer de la impresora de modo que la recepción del audio fluyera con la mínima latencia. Por otro lado utilizamos una grabadora de campo para recoger el audio producido por el motor de la impresora y a su vez recogerlo como señal externa y poder aplicarle efectos de dinámica y fx. En este caso, Nicolás utilizó Ableton Beat Repeat, D-16 Group AudioGroup Sigmund Delay y H- Verb de Waves. Una vez familiarizado con el sonido mecánico producido he ido construyendo muestras de audio afines a la naturaleza industrial que emite la impresora sonorizada a modo de paisaje secuencia donde la introducción y el epilogo parten de la máquina.
Para controlar y editar el audio hemos utilizado : - Audio Interface: Novation AudioHub 24 - DAW: Ableton Live - Sequencer :Ableton Push 2 - Mixer-Bus: Novation Launch Control XL Como plugins del set construido: - Waves API 550 - Waves Trueverb - Solid State Logic EQ - Waves L1, L2 Ultramaximizer -Fabfilter Pro 2, Vulcano, Timeless. -Sugarbites Tournado
Notas mini diario Lunes 24
Presentación de los participantes, materiales e instalación de los respectivos set ups. Pruebas de acústica de la sala y toma de contacto con el espacio de trabajo performativo. Check de audio interfaz y controladores.
Martes 25
Empezamos a las 09.00 a trabajar en el software de la impresora y organizar la ruta de las señales de datos y audio Trabajo individual para la construcción del set en Ableton, pruebas físicas de sincronía.
Miércoles 26
Trabajo individual y primeras ideas de estructura. Intercambio de ideas y propuesta final de la performance.
Jueves 27
Puesta en común del material y primeras pruebas conjuntas de audio video que se prolongarán todo
el día buscando eliminar latencias y consolidar sincronía. A las 18.00 nos visita un grupo de personas para interesarse en el proceso que desarrollamos y ofrecemos explicaciones técnicas de los que hacemos y mostramos el funcionamiento.
Viernes 28
Ensayo de la muestra y puesta a punto de los últimos detalles. La performance comenzó con la activación del motor y su sonorización que fue in crescendo hasta fundirse con la síntesis digital donde las imágenes obtenidas por el microscopio eran procesadas a tiempo real por Simone Marin con VVVV y Nicolás Hernández realizaba la narrativa sintética a través de los clips de audio creados durante la semana.
CONCLUSIÓN: Hemos trabajado duro desde las nueve de la mañana hasta las nueve de la noche durante cinco días intensos que han pasado muy rápidos teniendo a todos los organizadores de NUMAcircuit pendientes de nosotros. Hay que destacar la influencia del edificio donde
hemos estado concentrados, sus instalaciones y la magia de su arquitectura, los equipos humanos y técnicos puestos a nuestra disposición, inmejorables. La experiencia ha sido francamente enriquecedora y favorecerá sin duda a futuras colaboraciones entre los artistas participantes.
Residentes 2 Hara Alonso y Blanca Regina El segundo dúo estuvo integrado por la artista multimedia e improvisadora musical Blanca Regina y la pianista y compositora Hara Alonso, quienes desarrollaron y presentaron la obra ‘Pulsiones digitales’. El espacio que planteó este proyecto estuvo mar-
‘Pulsiones digitales’
cado por el empleo de vídeo mapping y el procesamiento de sonido en tiempo real a través de diversos protocolos y programas, especialmente el MAX/MSP. Para conseguir una mayor dinámica espacial Hara utilizó un sistema de sonido cuadrafónico que repartía el sonido de manera estratégica, mientras Blanca articulaba sus procesos sonoros y visuales a partir del movimiento de su cuerpo. Este dúo propuso como objetivo de su trabajo la traducción de impulsos orgánicos a protocolos digitales, utilizando la imagen y el sonido como elementos de modulación, y cuya intensidad determina la dinámica del espacio generado, e incluso establece la propia extensión del mismo. El resultado fue una performance marcada por conexiones viscerales e impulsos sintéticos, basada en el diálogo y la improvisación orientada.
RELATO 2 Esquema de configuración: - Puesta en común de ideas - Trabajo individual - Puesta en común de trabajo - Ensamblaje de parte visual y sonora. - Creación de secciones y transiciones - Ensayos de la muestra - Muestra al público En cuanto el tratamiento del sonido, el planteamiento inicial fue que existiera una relación paralela con el video a nivel tanto interactivo como estético. En el video se emplearon en gran medida imágenes y videos grabados en varias localizaciones. Respondían al paisaje de la isla, al agua, el mar, el viaje por el parque natural de Anaga, la roca, la vegetación y el puerto de Santa Cruz. Desde esta presencia visual el sonido se creó adaptándose a esos colores, ritmos y texturas, creando paisajes sonoros combinando la música electroacústica con el piano. Con esa idea en mente el tratamiento de los sonidos comenzaría
por grabar o utilizar sonidos pregrabados que integrasen partes de ese paisaje visual, empleando así algunas grabaciones de campo. El software empleado para producir el sonido sería SuperCollider (http://supercollider.github.io), y concretamente una extensión llamada TidalCycles (https://tidalcycles.org), un software que permite la creación de patterns a través de logaritmos. Esta herramienta es una open source en desarrollo y gracias a esta residencia se podría así mismo colaborar en la aplicación de la misma en el proceso creativo. Los resultados se mostrarán y divulgarán en los medios de estos softwares compartiendo el espacio de residencia artística Numa Circuit como plataforma de su desarrollo. En cuanto a las herramientas que se usaron en video son las grabaciones procesadas para el tamaño de la pantalla si 3840x1080 pixels usando After Effects y los programas para manipulación y mezcla a tiempo real Modul8 y Mad Mapper.
Ejemplo del código utilizado en TidalCycles: d1 $ whenmod 8 6 (|+| speed “0.9”) $ every 4 (0.25 <~) $ every 3 (0.25 <~) $ stack [slow 16 $ (trunc 0.25 $ striate 16 $ sound “metals:3 metals:1”) |+| delay “0.4” |+| gain “0.7”, whenmod 7 6 (striate 2) $ slow 2 $ sound (samples “[~ kh] [~ kh? ~ kh] [metals:3]” (run 18)), whenmod 6 5 (striate 2) $ slow 4 $ sound (samples “metals:5” “metals:3”) |+| cutoff (scale 0.07 0.3 $ slow 5 sine1) |+| speed (scale 0.5 1 $ slow 2.1 sine1) |+| resonance “0.4” |+| delay “0.2” ] |+| delaytime “0.4”
La difusión del sonido se realizará utilizando el sistema cuadrofónico (quadrophonics) en vez del común estereo, 4 canales separados de forma que el sonido se puede difundir. Esto crea una sensación de movimiento, de inmersión total al público, sentado en el centro de la sala. La combinación del piano, instrumento acústico, con la música electroacústica en cuadrofonía es un desafío. Conseguir ensamblar las sonoridades de ambos mundos, el electrónico, que es digital, intangible y en el cual todo es posible con el piano, un instrumento con gran carga histórica, es aún
un reto. La mezcla de ambos universos espera crear un equilibrio entre lo tecnológico y lo corporal, lo imaginario y lo real. Por supuesto todo esto ensamblado con el video. La imagen se trato en dos niveles, la imagen como luz y reacción al sonido y la imagen como cine de autor. El diseño, las escenas y los colores se realizó en común si bien fundamentalmente la creación de los contenidos visuales fue principalmente creado por Blanca y el sonido por Hara.
Notas mini diario Lunes 24
Montaje de la sala. Los técnicos de sonido nos ayudaron a montar el sistema de sonido cuadrofónico empleando los AUX 1, 2, 3 y 4 del mixer. Asimismo montamos los proyectores de video para hacer una pantalla superpanoramica de aspecto 32/9. Comprensión de las capacidades del espacio, diseño espacial y montaje de mesas y equipos. Martes 25 Búsqueda de material visual y sonoro. Primeras investigaciones. Comenzamos a recopilar y crear los elementos que utilizaríamos para la muestra. Miércoles 26 Trabajo individual y primeras ideas de estructura. Intercambio de ideas entre las artistas. Diseño de la obra, sus partes, sus ritmos y contenidos. Jueves 25 Puesta en común del material definitivo. Elección de las escenas y transiciones. Discusión de posibi-
lidades y mejoras. Por la tarde, charla con el público de interesados en los aspectos más técnicos. Viernes 28 Ensayo de la muestra y puesta a punto de los últimos detalles para la actuación de la noche. La muestra se compuso de una performance audiovisual de 20 minutos donde Hara toco el piano y hizo electronics y Blanca mezcló video con imágenes, video como luz y acompaño en la voz sintetizando a tiempo real.
problema. Por ello a nivel de recursos técnicos y humano, excelente, sin duda. El proceso creativo fue muy intenso y cada día la jornada se alargaba desde las 9 de la mañana a las 7-8 de la tarde con una hora en medio para comer. Trabajar mano a mano dos artistas que no se conocían de antemano es un desafío. En nuestro caso desde el principio pudimos establecer intereses comunes y desde ahí avanzar en el proceso durante los días. La adaptación y la comunicación entre las dos artistas fue fundamental, así como la confianza depositada por los organizadores. CONCLUSIÓN: La residencia se desarrolló de una forma fluida y con muy buena ayuda técnica. Los recursos fueron bien empleados y de muy buena calidad. El espacio absolutamente inspirador y germen de lo que fue la semana de creación. El equipo de NUMAcircuit siempre disponible, documentando el proceso con videos y fotos y siempre dispuestos a dar su opinión, ideas y ayudar con cualquier
El resultado, por supuesto, un proceso, una pieza que se podría seguir desarrollado, finalmente fue mucho más de lo que podíamos haber esperado en un principio. La combinación del video y el sonido fue muy empastada y rica, a ambos niveles. Por tanto hay que estar satisfechos del trabajo y ser conscientes de que se puede seguir desarrollando en otros contextos.
Actuaciones viernes 28 La noche comenzó con las actuaciones de la residencia, que tuvieron lugar en la Sala Puerto. ‘El paisaje háptico’ fue el título elegido por el dúo integrado por Nicolas Hernández y Simone Marin, quienes a partir de la imagen proyectada y el sonido musical propusieron un espacio casi táctil. Las imágenes nacían de un microscopio instalado en el brazo de una impresora 3D, que se aproximaba a distintos objetos de diversas procedencias, usando la textura de la superficie de las mismas a modo de paisajes Centraron sus esfuerzos en crear diversos tipos de conexiones directas entre el sonido y el tratamiento de las imágenes, para lo cual aplicaron sofisticadas programaciones generativas en la relación de los distintos dispositivos, que se comunicaban por medio del protocolo OSC. Con ‘Pulsiones digitales’, el dúo integrado por la artista multimedia e improvisadora musical Blanca Regina y la pianista y compositora Hara Alonso
planteó un espacio igualmente determinado por el empleo de elementos tecnológicos como el vídeo mapping y el procesamiento de sonido en tiempo real a través de diversos protocolos y programas, especialmente el MAX/MSP, que en ocasiones se articulaba a partir del movimiento de sus cuerpos, que funcionaron como interface sonora y visual. El resultado fue una performance marcada por conexiones viscerales e impulsos sintéticos, basada en el diálogos y la improvisación orientada. Ambas actuaciones resultaron muy intensas y atractivas. El público llenó el aforo disponible en la sala puerto, por lo que hubo que poner más asientos a medida que se iba llenando la sala. Ambos espectáculos dieron muestra del arduo trabajo realizado por sus creadores, que consiguieron generar unos inquietantes espacios a base de diversas formas de administación de la imagen y el sonido. El numeroso público asistente quedó encantado con las actuaciones, cuya puesta en escena estuvo tan cuidada que no se percibía la enorme complejidad técnica de su confección.
Artista invitado: Stian Westerhus NUMAcircuit 017 tuvo en su programación una destacada presencia internacional. Se trata del guitarrista Stian Westerhus, quien ofreció un concierto memorable en la sala cámara. Westerhus es un guitarrista Noruego que ha conseguido sacudir el panorama de la música contemporánea. Su estilo es tan personal que resulta difícil de ubicar. De él se dice que es el nuevo representante de lo que se conoce como avant-jazz, también que su música es una abstracción ruidista del rock, y otras muchas cosas más. Todo un desafío para los que gustan de poner etiquetas. En cualquier caso, es indiscutible que su propuesta musical y su presencia en el escenario ponen en cuestión determinados clichés afianzados en el ámbito de las nuevas formas musicales. Este singular artista dio un emotivo concierto compuesto por canciones de ‘Amputation’, su último disco en solitario publicado en 2016. Podría decirse que no interpretó dichas canciones, si no que las
recreó, haciéndolas crecer en intensidad, dinámica y duración. En la hora y cuarto que duró su actuación sólo hizo tres de ellas, ya que las envolvió en unas sublimes orquestaciones ambientales que desarrollaba de manera más o menos improvisada, en las que mostró un gran repertorio de soluciones musicales y un agudo sentido de la composición inmediata, y en su compleja ejecución hacía gala de una precisión quirúrgica. Como anécdota, cabe reseñar que la mayor parte de la actuación la hizo con cinco cuerdas en su guitarra, ya que partió una de ellas en la prima canción, lo cual no pareció ser un problema para él, que se limitó a arracarla con un violento gesto, ajustar la afinación y continuar tocando. Realizó esta operación con tal rapidez y destreza que la mayor parte del público ni siquiera lo notó. Su música es oscura, abrupta y cortante, pero es capaz de convertirla en un momento en una tenue y sutil melodía con una facilidad que hace que parezca la cosa más normal del mundo. Entre estas oscilantes combinaciones, introducía potentes lineas de guitarra distorsionada que modulaba con un complicado set de efectos electrónicos, y que contribuían a que no se perdiera la referencia a la
canción que estaba tocando, ya que a cada paso retomaba fragmentos de la melodía principal. También su profunda voz, introducida por primera vez en ‘Amputations’, reforzó la estructura del concierto, dando la sensación de la habitual configuración de estrofa y estribillo, y facilitando así la comprensión de una música compleja, inquietante, profunda y vibrante. Su puesta en escena fue muy impactante e intensa, y contenía la intención de no dejar indiferente al espectador. Usó un nivel volumen bastante alto, y lejos de presentarse con la aséptica estética que usualmente vemos en los artistas relacionados con las vanguardias musicales, este apareció vestido de negro, con un estrambótico peinado y rodeado de enormes amplificadores, marañas de cables, inacabables cadenas de pedales de efecto, ordenadores y otros artilugios. Probablemente, el posible lector de esta descripción pudiera tener ahora la imagen de un rockero-heavy de los años 80. Pues sí, quizás podríamos decir que su apariencia y su performance es una actualización contextualizada del estereotipo de guitarrista de
heavy que todos tenemos en la mente, aunque sin duda, su propuesta trasciende ampliamente este concepto. Con esto Stian Westerhus dio un concierto que permanecerá en la memoria de los asistentes, que si bien no llenaron el aforo de la sala de cámara, sí pudieron disfrutar de la impecable actuación de un músico que está marcando una época y definiendo un estilo. Al acabar el concierto, y tras un breve silencio, todo el público se puso en pie y rompió en un sonoro aplauso que se matuvo durante un rato, con la esperanza de que el artista hiciera un bis, pero su actuación había sido tan intensa que no tenía energía para tocar más, por lo que volvió a salir, dio las gracias y se retiró del escenario. Este prolífico artista tiene varios grupos, colabora en numerosos proyectos de otros artistas y mantiene un sólido proyecto individual auspiciado por Rune Grammofon, uno de los sellos discográficos más potentes que tratan con vanguardias musicales. Así, ha sacado varios discos, con los que ha conseguido diversos premios y alcanzado enormes cuotas de ventas, algo inaudito en este tipo de música.
Conclusiones
Pliegues digitales. La conexión de los extremos. Como en ediciones anteriores, el programa de la residencia ‘Pliegues digitales. La conexión de los extremos’, estuvo compuesto por la intervención de los dúos residentes, cuyo trabajo comporta en eje central de la misma, y la actuación de Stian Westerhus como artista invitado. Los organizadores de NUMAcircuit hacemos un balance positivo de esta tercera edición, y pensamos que la evolución de la actividad anual que producimos en colaboración con Auditorio desde 2011 ha sido adecuada. Se ha mantenido el objetivo original de contribuir a la articulación y desarrollo de la escena artística local, así como acercar al público el trabajo de reputados artistas internacionales.
En esta ocasión, los artistas residentes usaron la Sala Puerto para generar sus performances. Ambas actuaciones resultaron muy intensas y atractivas. El público llenó el aforo disponible, por lo que hubo que poner más asientos a medida que se iba llenando la sala. Ambos espectáculos dieron muestra del arduo trabajo realizado por sus creadores, que bajo una enorme pantalla que dominada el espacio, y ubicados dentro de una caótica maraña de cables y dispositivos electrónicos consiguieron generar unos inquietantes espacios a base de diversas formas de administación de la imagen y el sonido. El público asistente quedó encantado con las actuaciones, cuya puesta en escena estu-
vo tan cuidada que no se percibía la enorme complejidad técnica de su confección.
mentales, efectos y de una voz grave y cuidada, este particular artista generó un concierto inquietante, profundo y vibrante.
Tras finalizar las actuaciones de ambos dúos, comenzó el concierto de Stian Westehus en la Sala de Cámara, que fue impresionante. Hizo un concierto intenso e impecable. En este punto cabe destacar el buen hacer de este músico y de los técnicos de la sala, quienes, siguiendo las minuciosas instrucciones del propio Westerhus consiguieron generar un soporte sonoro capaz de soportar la extrema dinámica que caracteriza a la música del artista noruego.
También su presencia en escena fue impactante, conteniendo la intención de no dejar indiferente al espectador. Lejos de presentarse con la aséptica estética que usualmente vemos en los artistas relacionados con las vanguardias musicales, este apareció vestido de negro, con un estrambótico peinado y rodeado de enormes amplificadores, marañas de cables, inacabables cadenas de pedales de efecto y otros artilugios.
Una música oscura y cortante, que tiene la capacidad de convertirse en una tenue y sutil melodía con una facilidad pasmosa. A partir de estas oscilantes combinaciones instru-
Fue un gran concierto de un artista muy original y en plena forma, que sin duda permanecerá en la memoria de los asistentes, que como en anteriores ediciones, no llegaron a
llenar el amplio aforo de la sala de cámara. Actualmente, seguimos teniendo pendiente un asunto que debemos mejorar. Se trata de la escasa afluencia de público en la presentación de los trabajos y la actuación del artista invitado. Somos conscientes de que la programación de NUMAcircuit tiene cierto carácter vanguardista, y la residencia en Auditorio podría decirse que está orientada a fundamentar experimentos artísticos. Estas cuestiones no gozan de la demanda del amplio público, pero pensamos que la calidad de la propuesta es buena, y en ocasiones hay actuaciones excelentes e irrepetibles, a las que ni siquiera asiste parte del público que habitualmente acude a este tipo de performances o conciertos. Achacamos el problema cierta deficiencia en la comunicación y publicidad de esta activi-
dad en particular, ya que en el resto de actividades propuestas en otros espacios como TEA y Equipo PARA la asistencia prácticament completa la sala en cada ocasión. En cada edición intentamos progresar en este aspecto sin haber conseguido hasta ahora resultados positivos sustanciales, por lo que ahora mismo estamos trabajando para conseguir una estrategia publicitaria más efectiva, que nos permita acceder a un público más amplio sin tener que renunciar a los parámetros que configuran la identidad de NUMAcircuit desde su origen, y poder así continuar desarrollando una labor que consideramos importante y adecuada. En cualquier caso, reiteramos nuestra valoración positiva de la tercera residencia de NUMAcircuit en Auditorio de Tenerife, y trabajamos para cuidar los aspectos que podamos adaptar, corregir o mejorar en las sucesivas, esperando que sean muchas y buenas.
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